Sugoi!

El Sheng es un antiguo instrumento musical chino de viento, tiene ya 3.000 años de antiguedad. Entre las inscripciones antiguas sobre huesos de animal o conchas de tortuga de las postrimerias de la dinastía Shang figuran los caracteres He y Yu. Según la opinión de los especialistas, éstos dos caracteres son el nombre antiguo del Sheng . En el distrito de Shui, en la provincia de Hubei, se descubrió la tumba de Zeng Houyi de más de 2.400 años. Entre los objetos desenterrados había 6 cajas de resonancia del Sheng y 32 tubitos de bambú, piezas indispensables de este instrumento musical. Estos restos arqueológicos nos permiten saber que hace más de 2.400 años atrás , China había alcanzado un nivel muy alto en la fabricación del “Sheng”.

 En la dinastía Zhou, se les llamaba a las personas que tocaban el Sheng “maestros del Sheng”. Maestro, en esa época, quería decir guía en la ejecución de los instrumentos musicales de la orquesta imperial. El “maestro del Sheng” es como el primer violin de la orquesta de hoy día. En aquella época el Sheng era muy importante en la orquesta imperial que a veces estaba integrada por más de 300 músicos.

Entre tantos músicos que tocaban el Sheng, había alguno que fingía tocar, justamente de eso nació el proverbio chino ” Flautista sin flauta “. He aquí como se cuenta su origen : En el reino de Qi , el rey Xuan disponía de una orquesta de 300 músicos que tocaban el Yu, su instrumento musical preferido. Cada vez que deseaba escuchar música, ordenaba a los 300 tocar concierto, pues le encantaba el volumen y la fuerza del conjunto.

 Entre los miembros de la orquesta había un hombre llamado Nan Guo . No sabía tocar el Yu , pero sabía fingir a la perfección .Naturalmente gozaba del mismo buen trato que sus colegas. Durante los conciertos, Nan Guo simulaba tocar con aire de gran maestro pero no sabía de su instrumento ni una nota.

Muerto el rey Xuan, su hijo Min subió al trono. Al nuevo rey también le gustaba el Yu, pero quería escucharlo en sólo, de modo que en la primera fiesta que organizó en su palacio, ordenó que los 300 músicos tocaran uno por uno. Nan Guo desapareció con discreción. Este proverbio es una burla de las personas que fingen saber y no saben.

Las características de Sheng reside en que es el único y el más antiguo instrumento musical chino de viento que produce la impresión de un concierto orquestal. El Sheng antiguo constaba de una caja de resonancia hecha de la corteza reseca de un tipo de calabaza y unos tubos de bambú, alineados en la parte inferior, cada cual con una lengueta . Luego la caja de resonancia de calabaza fue reemplazada por una de madera.

[Fuente: CRI]

La cítara china, llamada guqin, existe desde hace 3.000 años y ocupa un lugar primordial entre los instrumentos musicales solistas de la China. Este instrumento secular, que ya aparece atestado en fuentes literarias antiguas y ha sido corroborado por descubrimientos arqueológicos, es indisociable de la historia de los intelectuales chinos, particularmente durante la dinastía de los Han.

El arte de tocar el guqin estaba reservado originalmente a una elite, y los nobles y los eruditos lo practicaban en la intimidad, pero nunca se tocaba ante un público. Junto con la caligrafía, la pintura y una antigua forma de ajedrez, formaba parte de las cuatro artes que toda persona culta debía dominar. Según la tradición, se necesitan unos veinte años de práctica para llegar a ser un maestro del guqin. Este arte combina un vasto repertorio de melodías y de técnicas de interpretación refinadas, un complejo sistema de símbolos y métodos originales de notación y de transmisión oral.

El guqin consta de siete cuerdas y trece posiciones que marcan los tonos. Al colocar las cuerdas de diez maneras distintas, los músicos pueden obtener un conjunto de cuatro octavas. Hay tres técnicas instrumentales básicas: san (cuerda libre), an (cuerda fija) y fan (armónicos). La san se toca pinzando las cuerdas con la mano derecha una por una o en grupos, lo que permite emitir sonidos fuertes y claros para las notas importantes. En la técnica fan los dedos de la mano izquierda rozan suavemente la cuerda en los puntos que indican las marcas incrustadas, mientras que la mano derecha pinza la cuerda, lo que produce un sonido suave y flotante. Para la técnica an también se utilizan ambas manos: la derecha pinza la cuerda, mientras que un dedo de la mano izquierda hace una fuerte presión sobre ella y puede deslizarse hasta las otras notas o realizar diversos ornamentos musicales y vibratos, de lo que resulta un conjunto de sonidos delicados y expresivos.

Hoy día, quedan menos de mil artistas capaces de dominar este instrumento y no más de cincuenta maestros que siguen vivos. Del repertorio inicial de varios miles de composiciones, apenas un centenar de obras se interpretan regularmente. La función tradicional del guqin, que consistía en cultivar la fuerza moral e intelectual del individuo, ha desaparecido casi por completo, reduciendo así esta tradición antes compleja y holística al simple papel de un arte escénico profesional.

[Fuente: unesco.org]

La palabra “karaoke” está formada por dos palabras “karappo” (vacío) y “okesutura” (orquesta). Entonces, karaoke significa “orquesta vacía”.

Este entretenimiento increíblemente popular entre los japoneses nació hace unos 30 años, en la ciudad de Kobe. Sin embargo, otra opinión sostiene que el karaoke es anterior a los años 70 y que se inició en un show de la televisión norteamericana. Aparentemente fue después de esto cuando los japoneses lo convirtieron en una forma de diversión llamada “karaoke”. Durante las dos primeras décadas esta popular forma de pasar el rato no salió de Japón. Más tarde llegaría al resto del mundo.

El karaoke es una forma de distracción típica de las personas de negocios japonesas, la utilizan para quitarse el estres. Se juntan en un bar con los colegas después del trabajo, toman una bebida y disfrutan cantando las canciones populares.

Con la evolución de los karaokes surgió un obstáculo en el negocio, la mayoría de las casas japonesas se construían de madera, con una acústica pobre. Aunque el karaoke era al principio básicamente para los ejecutivos, ha pasado a ser un entretenimiento nacional, gracias al desarrollo tecnológico y un nuevo negocio llamado los “karaoke box“. Estos son cuartos acústicamente aislados, cerrados con una puerta; suelen ser grandes edificios de varias plantas, situados cerca de las estaciones. Actualmente hay más de 100.000 “karaoke box” en Japón.

[Fuente: karaokekanta.com]

J-Pop es la abreviatura de Japanese Pop y se refiere a la música popular japonesa. La palabra J-Pop fue acuñada por una estación de radio, J-WAVE e indica que es música diferente a la música tradicional. Cantantes e intérpretes J-Pop incluyen músicos populares, idols y seiyuu (actores de doblaje).

J-Pop es un término que en la práctica agrupa (a veces erróneamente) muchos géneros musicales diferentes de Japón, incluyendo música pop, rock, dance y soul. En Japón, el término es usado para distinguir los estilos musicales modernos de la música clásica o tradicional Enka.

El J-Pop tiene sus raíces más profundas en el Jazz. 1952 fue llamado el “año del boom del Jazz”. El movimiento del rock-and-roll alcanzó su pico de popularidad en 1959 con una película enfocada en las interpretaciones de bandas de rock-and-roll japonesas.

Con el surgimiento de la TV y el desarrollo de la tecnología, surge una nueva forma de participación del público en la música: el karaoke. Los 70 se caracterizaron por un importante crecimiento en la industria musical, ligado estrechamente a los aparatos de “Marketing”. En la primera década de los 70, el trío femenino Candies, fue uno de los grupos más importantes, logrando el récord de ventas hasta ese entonces. En la segunda mitad de la década, el dúo Pink Lady se convirtió en el éxito más grande de la historia moderna de Japón, con su tema “SOS”, y teniendo como aparato comercial toda una red de “merchandising” como muñecas, radios, maquillaje, alimentos y ropa, fenómeno sin precedente en Japón. Del lado masculino, surge el legendario grupo Southern All Stars, con temas rock que incluían un cierto toque de humorismo o sátira, y cuyos temas nuevos y clásicos se mantienen vigentes en la actualidad.

En los 80 se desarrolla el concepto de lo que ahora llamamos como “música idol”. La famosa idol Seiko Matsuda en 1980 representa uno de los primeros ejemplos de este fenómeno musical y cultural, integrado por cantantes adolescentes que, con temas pegadizos, se convertían en verdaderos ídolos nacionales.

A finales de los 80 surgen grupos de rock pop famosos, como Chage and Aska. En los 90, otros grupos como L’arc-en-ciel y X Japan obtuvieron gran popularidad, dando pie a lo que a finales de lo 90 se conocería como el Visual Kei.

A principios de los 90, nuevos grupos y cantantes salen a la luz, como Megumi Hayashibara, una de las cantantes japonesas y seiyuu por excelencia.

En 1997 el programa de TV Asayan retoma el concepto de los 80 y lanza un nuevo grupo idol: Morning Musume. En 1999 entraba en escena Ayumi Hamasaki, que en muy poco tiempo se convertiría en la gran leyenda que es hoy, la reina del J-Pop más carismática que a dado nunca Japón. El J-Pop actual se ha diversificado de tal manera que ofrece cualquier cantidad de artistas y estilos diferentes, e incluso llamando la atención en occidente.

Fuente: Wikipedia

En China, los instrumentos musicales más difundidos en el pueblo son los instrumentos de viento, de percusión y de cuerda. El erhu es, precisamente, un instrumento de cuerda y de arco, llamado en español Violín Chino de dos cuerdas, por algunas de sus similitudes con el violín occidental.

El erhu gana popularidad dentro del período de la dinastía Song (960-1279), época marcada por una intensa vida artística. Pese a que sus orígenes son inciertos, se presume que el erhu es originario de Mongolia.

A lo largo de su existencia, desde su origen hasta hoy, el erhu ha experimentado muchas innovaciones en su forma, en los materiales con que está hecho y en sus componentes, con excepción de seis, que son considerados los principales en su estructura. Estos componentes, son: la caja de resonancia, el mango, el clavijero, las cuerdas, el muelle de soporte de las cuerdas y el arco. La caja de resonancia suele tener forma redonda, hexagonal u octogonal y uno de sus extremos está cubierto por un trazo de piel de boa; el otro extremo se cierra con una tablilla de madera con calados ornamentales de madera. La calidad de la piel de la boa determina la calidad del sonido del instrumento, pues es el elemento donde éste vibra. El mango remata en una clavija que suele tener la forma de una cabeza curvada. Igual que la caja de resonancia, tanto el mango como el clavijero están hechos de caoba. Hoy, las cuerdas son de metal o de nylón. El muelle que levanta las cuerdas y el clavijero pueden ser movibles o fijos.

El arco es también de madera y sus filamentos están hechos de crin de caballo. Igual que en el violín occidental, los filamentos del arco, al rozar las cuerdas, las hacen vibrar y esta vibración es el sonido que luego es modulado en melodía por la presión de los dedos.