Sugoi!

Shunga es una palabra japonesa que hace referencia a imágenes eróticas. Es un tipo de ukiyo-e, usualmente realizada por impresión con planchas de madera o, más raramente aún, como pergaminos pintados. La traducción literal del vocablo japonés “shunga” significa “imagen de primavera”; siendo primavera un eufemismo común para las relaciones sexuales. Las escenas de amor describían relaciones tanto heterosexuales como homosexuales.

Se piensa que el shunga se inspiró inicialmente en las ilustraciones médicas de manuales chinos, un proceso que tuvo sus orígenes en la era Muromachi de (1336 a 1573). Chou Fang, el gran pintor erótico de la dinastía china T’ang, es considerado como influyente en su desarrollo. Él, al igual que muchos artistas eróticos de su tiempo y lugar, tendía a exagerar el tamaño de los órganos genitales, tan común en los motivos del shunga. El estilo fue popular a lo largo del período Edo, sucumbiendo finalmente con la introducción de la fotografía erótica al comienzo de la era Meiji.

El shunga se produjo entre los siglos XVI y XIX por artistas del ukiyo-e, ya que se vendían más fácilmente y a un precio mayor que los trabajos ordinarios. Las impresiones shunga se producían y vendían ya sea como láminas únicas o, más frecuentemente, bajo la forma de libros, llamados enpon. Los shunga también se producían bajo la forma de rollos de pergamino, llamados kakemono-e. Este formato también era popular, aunque más caro ya que cada pergamino tenía que ser pintado individualmente.

La calidad artística del shunga varía, y no había pintor de ukiyo-e que fuera indiferente al género. Experimentados artistas se vieron dedicados a la producción del shunga. Esto produjo en consecuencia obras elaboradas por artistas de renombre. Los artistas del ukiyo-e le debían un sustento estable a la producción de este género. Los artistas raramente firmaban sus trabajos, aunque el género era generalmente aceptado y su arte alcanzaba los mismos estándares requeridos para estilos más convencionales. Esto era para evitar cualquier tipo de persecusión gubernamental, o cualquier tipo de incidente que pudiera dañar otros aspectos de la carrera del artista.

Las novias frecuentemente traían consigo un waraie (imagen erótica), una serie de doce imágenes adosadas junto a sus muebles nupciales. Además de este uso tradicional, el shunga servía de guía sexual para hijos e hijas de las familias adineradas.

El arte del shunga proveyó de inspiración para el arte contemporáneo conocido en occidente como hentai, y conocido formalmente en Japón como ‘ju hachi kin’ (sólo para adultos) anime y manga.

[Fuente: Wikpedia]

Kamishibai, literalmente significa “drama de papel”, es una forma de contar historias que se originó en los templos budistas de Japón en el siglo XII, donde los monjes utilizaban emaki (pergaminos que combinan imágenes con texto) para combinar historias con enseñanzas morales para audiencias mayormente analfabetas. Se mantuvo como un método para contar historias durante varios siglos, pero posiblemente se le conozca más por su renacimiento en los años 1920 hasta los años 1950.

El gaito kamishibaiya, o cuentistas golpeaba dos pedazos de madera comúnmente unidos por una cuerda, llamadas hyoshigi, para anunciar su llegada a las diferentes villas. Los niños que compraban dulces a los gaito kamishibaiya tomaban los primeros asientos al frente del escenario. Una vez ubicada la audiencia, gaito kamishibaiya contaba varias historias utilizando para ello un pequeño escenario de madera que en la mayoría de los casos poseían muchos detalles artesanales en el que se insertaban ilustraciones que se iban removiendo a medida que se contaba la historia. Las historias eran a menudo series de cuentos cuyos nuevos episodios eran contados en cada visita a las villas.

El resurgir del Kamishibai se puede asociar a la gran depresión de los años 1920 donde se convirtió en un medio en el cual los desempleados podían ganar una pequeña cantidad de dinero. La tradición fue en gran medida suplantada por la llegada de la televisión entrado en los años 1950 pero fue recientemente revivida en las bibliotecas japonesas y escuelas elementares.

El Nha nhac, literalmente “música elegante”, abarca toda la gama de estilos de música y de baile que se interpretaban en la corte real vietnamita desde el siglo XV hasta la primera mitad del XX. Se solía tocar desde que comenzaban hasta que terminaban las ceremonias rituales organizadas en distintas ocasiones relacionadas con los aniversarios, las fiestas religiosas, las coronaciones, los funerales o las recepciones oficiales.

Entre los numerosos géneros musicales que se han desarrollado en Viet Nam, sólo el Nha nhac puede preciarse de tener una dimensión nacional y fuertes lazos con las tradiciones de otros países de Asia Oriental. Las representaciones de Nha nhac congregaban a un gran número de músicos, a veces acompañados de cantantes y bailadores, ataviados con suntuosos ropajes de finas telas ricamente engalanadas. Las grandes orquestas, en las que los tambores tenían una función predominante estaban formadas por numerosos tipos de instrumentos de percusión (carillones, gongs, campanas, carracas), así como otros instrumentos de viento y de cuerdas (flautas, caramillos, trompas, cítaras y laúdes). Todos estos músicos debían mantener la concentración al máximo, ya que se les exigía que siguieran minuciosamente cada etapa del ritual.

El Nha nhac surgió en la época de la dinastía Le (1427-1788) y fue institucionalizado y codificado como música real bajo la dinastía Nguyen (1802-1945), cuando la capital imperial era Hue. Símbolo del poder y de la longevidad de las dinastías, el Nha nhac se convirtió en un elemento fundamental de los rituales cortesanos, cuando se interpretaba acompañando al centenar de ceremonias que se celebraban cada año. Pero su función no se limitaba al acompañamiento musical de los fastos de la corte, sino que también permitía comunicar con los dioses y los reyes y rendirles tributo, además de vincular el pensamiento filosófico y los conceptos de la cosmología vietnamita.

Los acontecimientos que convulsionaron Viet Nam en el siglo XX –especialmente el derrumbe de la monarquía y varios decenios de guerra– llegaron a amenazar seriamente la supervivencia del Nha nhac. Privada del medio de la corte, esta tradición perdió su función social inicial. Sin embargo, los escasos músicos de corte que aún siguen en vida, se esfuerzan por mantener esta tradición. Algunas formas de Nha nhac han sobrevivido en los rituales populares y en ceremonias religiosas o sirven de fuente de inspiración a la música vietnamita contemporánea.

[Fuente: unesco.org]

Famoso por los gestos gráciles ejecutados con las manos y por sus magníficos trajes, el Ballet Real de Camboya (también llamado danza clásica jemer) está estrechamente asociado a la corte jemer desde hace más de mil años. Sus representaciones acompañaban tradicionalmente las ceremonias reales y diversos acontecimientos como coronaciones, bodas, funerales o fiestas jemeres. Esta forma de arte, que estuvo a punto de ser aniquilada en los años setenta, es venerada por los camboyanos del mundo entero.

Cuenta la leyenda que el ballet es tan antiguo como los mismos jemeres. Las primeras representaciones de bailarines esculpidas, como las que ornamentan los famosos templos de Angkor, aparecieron ya en el siglo IX. La danza, a la que se confiere una función sagrada y simbólica, encarna los valores tradicionales de refinamiento, respeto y espiritualidad. Su repertorio perpetúa las leyendas asociadas a los orígenes del pueblo jemer.

Por consiguiente, los camboyanos han considerado desde siempre esta tradición como el emblema de la cultura jemer. En el repertorio clásico se distinguen cuatro tipos de personajes: la mujer, Neang; el hombre, Neayrong; el gigante, Yeak; y el mono, Sva. Cada uno posee colores, trajes, maquillaje, máscaras y gestos distintivos. Esas posturas y gestos codificados, cuyo dominio requiere años de formación intensiva, evocan toda la gama de las emociones humanas, desde el miedo y la cólera hasta el amor y la alegría.

Las representaciones están acompañadas por una orquesta de música sacra, al tiempo que un coro femenino va comentando la acción y poniendo de relieve las emociones que miman los bailarines. No es sorprendente que estos selectos bailarines fueran considerados como los mensajeros de los reyes ante los dioses y los antepasados.

El Ballet Real casi dejó de existir bajo el régimen represivo de los jemeres rojos, que exterminaron a casi todos los maestros de baile y de música. Inmediatamente después de la derrota de Pol Pot en 1979, resurgieron los grupos de baile y se reanudaron las representaciones del antiguo repertorio. El baile clásico, asociado de nuevo al rey y a la religión de Camboya, desempeñó un papel crucial en la reconstrucción de la identidad nacional.

En los últimos años, el ballet casi ha llegado a recobrar el esplendor de antaño, pero se enfrenta a numerosas dificultades, como la falta de dinero y de lugares para las representaciones, la competencia de los media modernos y el riesgo de convertirse en una mera atracción turística. Sólo algunos maestros aún vivos poseen un conocimiento profundo de todos los aspectos de esta rica tradición.

[Fuente: unesco.org]